ENCLAVE DEL SOL

Pese a que la crítica había acogido negativamente “ Led Zeppelin III ” (1970), cuando apareció su cuarto LP la banda se encontraba en su momento de mayor grandeza. La leyenda (groupies a decenas, hoteles destrozados) alcanzaba tales proporciones que amenazaba con sepultar incluso su trayectoria musical, pese a que por entonces ya habían definido el concepto heavy como pocos de sus contemporáneos. Lejos de acomodarse en su exorbitante fama (estadios repletos, largas giras, cifras de ventas récord), en “ Led Zeppelin IV ” (conocido también como el disco de los símbolos) dieron la definitiva vuelta de tuerca a su sonido, delimitado por el culto al riff oficiado por Jimmy Page desde el mismo inicio: “Black Dog” y “Rock and Roll”, ambas grabadas con el estudio móvil de The Rolling Stones, ponen en órbita un disco donde sigue habiendo hueco para los atisbos folk de “The Battle of Evermore” (con Sandy Denny, de Fairport Convention) y “Misty Mountain Hop” o las conexiones con la música de la C...

El título del primer disco de Pink Floyd está tomado de un libro infantil llamado “The wind on the willows”, de Kenneth Grahame, que descubre la existencia de un mundo paralelo habitado por seres fantásticos. Y aunque también descubre en Inglaterra un mundo paralelo, como era la psicodelia, “ The piper at the gates of dawn ” no está habitado por seres fantásticos, sino por un estudiante de arte llamado Syd Barret cuya desmedida afición por el LSD le sacó del mapa, determinando, para mal, la historia de Pink Floyd y, por extensión, contribuyendo con su ausencia a escribir uno de los episodios más nefastos de la música: el rock sinfónico. Pero “The piper at the gates of dawn” era otra cosa; nada que ver con los fastos huecos en que se escudarían Pink Floyd tras la marcha de Barret. En él se advierte tanto la voluntad de riesgo para desarrollar por intuición la génesis del space-rock como la exposición casi naíf de una pequeña colección de historias lisérgicas que encandilaron después a ...

Por sus barbas les reconocerán. Son inconfundibles. Son un trío, pero dos de ellos lucen unas barbas rubias que les llegan casi al ombligo. Son los estadounidenses ZZ Top, que llevan haciendo hard rock, blues o rock sureño desde 1969. El trío, acompañado de su banda, clausurará el 16 de julio el Festival de la Guitarra de Córdoba, que cumple 31 años. El Festival de la Guitarra de Córdoba arranca el 5 de julio con el guitarrista y compositor Vicente Amigo, quien presenta su espectáculo Poeta, junto a la Orquesta de Córdoba, en el Teatro de la Axerquía. El tímido musico, criado y afincado en Córdoba, vuelve a un festival y a una tierra que le han echado en falta. El teatro al aire libre de La Axerquía, uno de los espacios claves de la cita, acogerá, además de Amigo y ZZ Top, al también rockero y exlider de Los Rodriguez, Andres Calamaro (7 de julio), quien presentará su último disco Salmonalipsis now. El programa del festival incluye al cantautor cubano Pablo Milanés o a la banda mexica...

En una historia como la del rock, que evoluciona a golpe de tópicos y clichés cada vez más estancados, a The Who les tocó lidiar con dos camisas de fuerza adheridas por siempre jamás a su carrera: la de portavoces del desencanto mod y la de propulsores de la ópera rock. Por eso cuando Pete Townshend no tuvo más remedio que tirar a la basura todas las ilusiones puestas en “Lifehouse” – la ópera rock que debía recoger el testigo de “ Tommy ” (1969) y que jamás vio la luz-, The Who no sólo habían perdido una batalla, sino que habían ganado la guerra. Sin presión, sin necesidad de alargar suis ideas más allá de lo estrictamente musical y, sobre todo, sin la obligación de tener que entregar un nuevo trabajo de corte conceptual –más tarde llegaría “ Quadrophenia ”(1973), su último gran trabajo-, Townsend se topa con el genio justo cuando decide que “ Who´s Next ” será un disco de canciones. Ni más, ni menos. Ensamblando todas las ideas que le pasan por la cabeza, adelantándose a su tiempo en...

Charlie Parker (1920-1955), el arquetipo del músico de jazz atormentado, consumido por sus neurosis, su insatisfacción crónica y sus adicciones, fue por encima de todo un creador. Su brillo fue más refulgente que nunca entre 1945 y 1948, una época de esplendor artístico -que no personal- documentada en las grabaciones que hizo para los sellos Dial y Savoy y que constituyen la piedra filosofal del jazz moderno, testigo del nacimiento del be bop y obra maestra por derecho propio. Después entregó a Verve algunas de sus grabaciones más populares, pero la intensidad con que vivía cada minuto de su vida ya había dañado definitivamente su arte. Murió a los 34 años. " Complete Savoy & Dial sessions " recopila en ocho CDs las sesiones que Parker grabó para estos sellos en distintas formaciones, con las grabaciones publicadas en su momento y las tomas alternativas que no aparecieron en los discos originales. Cada una es pura historia, y además relata episodios de las vidas privadas...

Tom Waits, cronista de la noche norteamericana más canalla, encuentra algo parecido a la felicidad junto a su mujer y compañera artística, Kathleen Brennan. A ella le canta “Johnsburg, Illinois”, y a todos nos regala “ Swordfishtrombones ”, una explosión de creatividad que inspirará los siguientes episodios de su carrera hasta hoy. Tras diez años de su vida personal disipada –sus estragos en Hollywood junto a su exnovia, Rickie Lee Jones, son legendarios- y una carrera a medio camino entre el piano bar y la vanguardia, Waits renace en un disco donde los géneros y, por encima de todo, los sonidos se mezclan formando un precioso montón de chatarra. Es en este álbum donde, por fin, música y texto alcanzan una sinergia perfecta. Waits, que por primera vez en su carrera asume la tarea de productor, diseña con mimo una banda sonora hecha a medida para cada uno de los protagonistas, las historias y los escenarios del desfile de perdedores, de narraciones tristes y paisajes desolados que es “S...

Creatividad a la altura de la pelvis. El francés Jean-Baptiste Mondino mezcla 'glamour', música y erotismo en sus retratos de la guitarra como fetiche. Repasa historias y obsesiones en torno a un instrumento tan masculino como femenino, de curvas sugerentes y connotaciones fálicas. Por Diego A. Manrique Fotografía de Jean-Baptiste Mondino. Una institución, en la música y en la autodestrucción. Tom Waits, oscuro, atormentado, con muchas cosas que ocultar. Como metáfora, aquí su guitarra envuelta. Es la pregunta del mi­llón: ¿Tienen sexo los instrumentos mu­sicales? Si la respuesta es positiva, no cuesta mucho avanzar y proclamar que la guitarra es hembra. Algunos virtuosos han feminizado sus modelos favoritos al bautizarlos como Lucille (B. B. King), Lucy (Albert King) o Gerundina (Rai­mundo Amador). Incluso Chris Larsen, un apreciado luthier que vende sus ex­traordinarias guitarras a Elvis Costello o Henry Kaiser, ha registrado la palabra Girl (chica) como denominación de...

“ He visto el futuro del rock´n´roll, y se llama Bruce Springsteen ”. Con una sola frase, Jon Landau, periodista de “The Real Paper” y “Rolling Stone” que había hecho sus pinitos como productor (el “Back in the USA” de MC5), catapultó a la antesala de la fama al de Nueva Jersey después de ver un espectacular concierto perteneciente a la gira de su segundo álbum, “ The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle ” (1973), primer paso firme del cantante hacia el estrellato. No le hizo ningún favor. A imagen y semejanza de los literatos que buscan durante toda su vida escribir la “gran novela americana”, cuando Springsteen se planteó “ Born to run ” deseaba realizar un disco atemporal, capaz de capturar la auténtica esencia del rock y su reflejo en los sueños y anhelos adolescentes de todo un país. Un proyecto ambicioso para el que se sentía preparado en el momento de afrontar su tercera grabación, pero que resultó bastante más complicado de lo previsto, poniendo de manifiesto los entre...

Que la carrera de The Doors se precipitara al vacío en 1971 tras la muerte de Jim Morrison –salvemos “An American Prayer”(1978), acreditado a Jim Morrison y The Doors, donde sus tres compañeros musican poemas que el vocalista dejó escritos en 1970, por la carga poética que conlleva – era algo tan lógico como inevitable: la irreprimible personalidad de Morrison había llegado a eclipsar de tal manera el talento de Ray Manzarek, Robbie Krieger y John Densmore que cualquier cosa que hicieran sin su presencia tendría en el simple recuerdo la más mordaz de las críticas. Una vez más, el personaje había crecido hasta llegar a vampirizar su propia obra y, con los baremos completamente desequilibrados, aún hoy cuesta descubrir donde acaba el mito –ése que cada año recibe miles de visitas en su suite perpetua en el cementerio Père Lachaise de París- y donde comienza el verdadero genio de alguien que supo trazar un camino personal (y único) en medio de la fiebre psicodélica que azotó la Costa Oes...

El artista total en su momento más álgido de inspiración y lucidez. ¿O sería mejor llamarlo bendita locura? Dando por sentado, porque no puede ser de otro modo, que se pueden contar con muy pocos dedos los músicos que han abarcado tanto como Prince – a nivel de variedad estilística, talento para desarrollarla y capacidad para ejecutarla-, hablar de su obra maestra y decir que es sobresaliente es quedarse corto. Con “ Sign of the times ” los locos ochenta alcanzan su clímax. Así de fácil. Prince había atravesado pletórico el ecuador de una década que para muchos le perteneció. Hasta aquí solo había conocido el camino ascendente. Está dicho enseguida, cuando quedan atrás joyas como “ 1999 ” (1983), “ Around the World in a day ”(1985) y “ Parade ”(1986). A partir de aquí iban a cambiar las cosas. El intocable iba a conocer que se siente en los altibajos y, ya en los noventa, lo que significa la expresión “caída libre” en términos artísticos. Pero ésa es otra historia. La que nos ocupa aho...

(Articulo del periodico El Pais con un poco de retraso, 22 de enero de 2011, pero me pareció interesante) Una muestra recorre 30 años de pop español a través de 100 portadas de discos El artista gráfico Pablo Sycet rei­vindica el vinilo. En la exposi­ción inaugurada ayer en el Cen­tro Olontense de Arte Contempo­ráneo (CODAC) de Gibraleón (Huelva) se exhiben hasta el próximo 15 de abril más de 100 portadas de elepés de los de an­tes, aquellos que se colocaban en aparatosos tocadiscos y ha­bía que girarlos, a mano, para escuchar la cara B. La muestra, llamada Formas y colores de la música, contiene portadas de discos de tres déca­das, desde piezas únicas de prin­cipios de los setenta, como la de Aguaviva con formato de perió­dico, o el primer álbum de Vene­no, censurado entonces por mos­trar una piedra de hachís, hasta el último maxi en vinilo de Fan­goria, todo naranja, datado en 1999. "Entonces llegó el CD y lo es­tropeó todo", bromea Sycet, co­misario de la muestra. ...

Un cambio de compañía discográfica, y de pronto se hizo la luz. Se consumía la década de los sesenta y la carrera de la ex niña prodigio de Menphis que a los 14 años ya había grabado su primer gospel no acababa de despegar en Columbia por falta de una dirección definida, indecisa entre el rhythm´n´blues o el pop más estándar. Tuvo que llevársela el productor Jerry Wexler a Atlantic para que todo empezara a encajar. También es verdad que en el momento del traspaso, 1967, el soul había alcanzado ya tal repercusión que las barreras segregadoras del público (y las mentes de la industria) se habían empezado a resquebrajar, pero no cabe duda de que entre Aretha y Wexler encontraron inmediatamente la fórmula para sacar todo el partido a la personalidad interpretativa de la diva – reinstaurando el rol mujer fuerte, contestaria, nada sumisa que se había dado en el blues de décadas anteriores, pero que estaba ausente en la música popular de la época- y aglutinar bajo un sonido electrizante sus...

En 1956 Ella Fitzgerald (1917-1996) ya era una joven leyenda del jazz vocal, merced a sus históricas grabaciones en la compañía Decca, donde fue modelando las cualidades y la depurada técnica vocal que hicieron de ella una de las grandes diosas del scat y de la improvisación del siglo XX. A mediados de los años cincuenta, Ella afrontaba, pues, su espléndida madurez, cuando Norman Granz, dueño y fundador de Verve, le ofreció la oportunidad de fichar por la compañía que habría de consagrarla definitivamente. De repente, la carrera artística y comercial de Ella experimentó un salto cualitativo hacia adelante, apadrinada por el propio Granz, que la había descubierto diez años atrás, convirtiéndola en una de las habituales en los ciclos Jazz at the Philarmonic. Granz planeaba -y pronto acertó a materializar sus deseos- enfrentar a su protegida con las mejores orquestas y los mejores músicos de jazz de la época (Oscar Peterson, Duke Ellington, Louis Armstrong, Stan Getz...), pero antes...

La Billie Holiday de los años cincuenta, a pesar de la fama, no era, ni de lejos, la de los días felices. Su voz había perdido elasticidad, volumen y timbre. Pero mientras sus cualidades vocales desaparecían, crecía su magnetismo, que alcanzaba gigantescas proporciones en “Lady in satin”, el disco más controvertido de su carrera. Para algunos, es un trabajo sin el menor mérito artístico, y disfrutarlo es casi como regocijarse en la miseria de una mujer en declive. Para muchos, es una de las grabaciones más sobrecogedoras jamás oídas. En “Lady in satin” Billie Holiday quiso un nuevo sonido, de satén, que la ayudara a sacar lo mejor de su maltrecha voz. Fue decisión suya grabar un disco con cuerdas en lugar de una orquesta de jazz por primera vez en su carrera y ella misma eligió al hombre adecuado, un joven y casi desconocido arreglista llamado Ray Ellis. Quiso también que las canciones de “Lady in satin” fuesen todas novedades en su ya amplio repertorio, y eligió un puñado de versi...

Las reglas de una buena cinta de carretera son simples. Debe contener material variado, de diferentes artis­tas (se trata de combatir la monoto­nía del viaje). Segundo, es preferible que sean canciones conocidas, con estribillos para berrear en grupo (los viajes machacan cuerpo y mente; ambos se merecen un homenaje). Tercero, el impulso del coche requiere música rápida, sin llegar al frenesí que te haría perder el control del volante; si eres de los que tienen los nervios alterados y precisan adagios, new age o -ay, ay, ay- gaitas quejumbrosas, no sigas leyendo. A la vuelta de las vacaciones, nos cuentas cómo evolucionó tu estrés. CARA A 1. CANNED HEAT, On The Road Again (3'o9) Tiene algo de jaculatoria, de in­vocación para que los dioses te prote­jan. Ritmos circulares perfectos para trayectos largos pero pueden tener efectos estupefacientes. 2. STEPPENWOLF, Born To Be Wild (3'3o) Para sentirse como la pareja de Easy Rider al comienzo de su viaje. Ah, sí, Peter Fond...

Pocos discos abrieron tanto de miras el mundo del pop como "Sgt. Pepper´s lonely hearts club band". Experimental en lo ecléctico de sus canciones y también en la instrumentación, y en cierto modo conceptual en las historias que en él se relatan, este álbum significa  uno de los puntos más álgidos del talento de John Lennon y Paul McCartney y un punto y aparte en la trayectoria de The Beatles. Se editó  el 1 de junio de 1967 y pasó ciento cuarenta y ocho semanas en las listas de éxito británicas y ciento setenta y cinco en las norteamericanas; y en ambas llegó a la posición más alta. Es un disco difícil en muchos sentidos. Primero porque, tan solo un año antes, "Revolver" (1966) había situado el listón muy alto. Necesitaban un giro, un nuevo motivo. Lo que les sirvió de motivación fue al mismo tiempo una de las dificultades que tuvieron que afrontar: Paul había descubierto el "Pet Sounds" de The Beach Boys. Y las ganas de superar esa obra maestra que tanto ...

Puede decirse que todo el peso específico de la singladura de Frank Zappa (1940-1993) y The Nothers of Invention gravita alrededor de este disco, el tercero del grupo. Lo hace por un compromiso político, textos, estética, sentido del humor e investigación musical; por la actitud irónica de Zappa ante los elementos habituales de su temario - la era lisérgica, el capitalismo, los hippies, la familia, la clase media norteamericana- y por la permanente experimentación sonora que la banda, amparada en un buen contrato con un sello mayor, Verve (integrado en MGM), tenía el lujo de permitirse. The Mothers, nombre original del grupo antes de que los ejecutivos de MGM les obligaran a modificarlo por un menos taxativo The Mothers of Invention, habían registrado " Freak Out! " (1966) y " Absolutely Free " (1967). El ideario socio-musical de Zappa estaba bien delineado en esos dos primeros discos, pero para su tercer trabajo con el grupo (unos meses antes se había editado el LP...