ENCLAVE DEL SOL

“ He visto el futuro del rock´n´roll, y se llama Bruce Springsteen ”. Con una sola frase, Jon Landau, periodista de “The Real Paper” y “Rolling Stone” que había hecho sus pinitos como productor (el “Back in the USA” de MC5), catapultó a la antesala de la fama al de Nueva Jersey después de ver un espectacular concierto perteneciente a la gira de su segundo álbum, “ The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle ” (1973), primer paso firme del cantante hacia el estrellato. No le hizo ningún favor. A imagen y semejanza de los literatos que buscan durante toda su vida escribir la “gran novela americana”, cuando Springsteen se planteó “ Born to run ” deseaba realizar un disco atemporal, capaz de capturar la auténtica esencia del rock y su reflejo en los sueños y anhelos adolescentes de todo un país. Un proyecto ambicioso para el que se sentía preparado en el momento de afrontar su tercera grabación, pero que resultó bastante más complicado de lo previsto, poniendo de manifiesto los entre...

Que la carrera de The Doors se precipitara al vacío en 1971 tras la muerte de Jim Morrison –salvemos “An American Prayer”(1978), acreditado a Jim Morrison y The Doors, donde sus tres compañeros musican poemas que el vocalista dejó escritos en 1970, por la carga poética que conlleva – era algo tan lógico como inevitable: la irreprimible personalidad de Morrison había llegado a eclipsar de tal manera el talento de Ray Manzarek, Robbie Krieger y John Densmore que cualquier cosa que hicieran sin su presencia tendría en el simple recuerdo la más mordaz de las críticas. Una vez más, el personaje había crecido hasta llegar a vampirizar su propia obra y, con los baremos completamente desequilibrados, aún hoy cuesta descubrir donde acaba el mito –ése que cada año recibe miles de visitas en su suite perpetua en el cementerio Père Lachaise de París- y donde comienza el verdadero genio de alguien que supo trazar un camino personal (y único) en medio de la fiebre psicodélica que azotó la Costa Oes...

El artista total en su momento más álgido de inspiración y lucidez. ¿O sería mejor llamarlo bendita locura? Dando por sentado, porque no puede ser de otro modo, que se pueden contar con muy pocos dedos los músicos que han abarcado tanto como Prince – a nivel de variedad estilística, talento para desarrollarla y capacidad para ejecutarla-, hablar de su obra maestra y decir que es sobresaliente es quedarse corto. Con “ Sign of the times ” los locos ochenta alcanzan su clímax. Así de fácil. Prince había atravesado pletórico el ecuador de una década que para muchos le perteneció. Hasta aquí solo había conocido el camino ascendente. Está dicho enseguida, cuando quedan atrás joyas como “ 1999 ” (1983), “ Around the World in a day ”(1985) y “ Parade ”(1986). A partir de aquí iban a cambiar las cosas. El intocable iba a conocer que se siente en los altibajos y, ya en los noventa, lo que significa la expresión “caída libre” en términos artísticos. Pero ésa es otra historia. La que nos ocupa aho...

(Articulo del periodico El Pais con un poco de retraso, 22 de enero de 2011, pero me pareció interesante) Una muestra recorre 30 años de pop español a través de 100 portadas de discos El artista gráfico Pablo Sycet rei­vindica el vinilo. En la exposi­ción inaugurada ayer en el Cen­tro Olontense de Arte Contempo­ráneo (CODAC) de Gibraleón (Huelva) se exhiben hasta el próximo 15 de abril más de 100 portadas de elepés de los de an­tes, aquellos que se colocaban en aparatosos tocadiscos y ha­bía que girarlos, a mano, para escuchar la cara B. La muestra, llamada Formas y colores de la música, contiene portadas de discos de tres déca­das, desde piezas únicas de prin­cipios de los setenta, como la de Aguaviva con formato de perió­dico, o el primer álbum de Vene­no, censurado entonces por mos­trar una piedra de hachís, hasta el último maxi en vinilo de Fan­goria, todo naranja, datado en 1999. "Entonces llegó el CD y lo es­tropeó todo", bromea Sycet, co­misario de la muestra. ...

Un cambio de compañía discográfica, y de pronto se hizo la luz. Se consumía la década de los sesenta y la carrera de la ex niña prodigio de Menphis que a los 14 años ya había grabado su primer gospel no acababa de despegar en Columbia por falta de una dirección definida, indecisa entre el rhythm´n´blues o el pop más estándar. Tuvo que llevársela el productor Jerry Wexler a Atlantic para que todo empezara a encajar. También es verdad que en el momento del traspaso, 1967, el soul había alcanzado ya tal repercusión que las barreras segregadoras del público (y las mentes de la industria) se habían empezado a resquebrajar, pero no cabe duda de que entre Aretha y Wexler encontraron inmediatamente la fórmula para sacar todo el partido a la personalidad interpretativa de la diva – reinstaurando el rol mujer fuerte, contestaria, nada sumisa que se había dado en el blues de décadas anteriores, pero que estaba ausente en la música popular de la época- y aglutinar bajo un sonido electrizante sus...

En 1956 Ella Fitzgerald (1917-1996) ya era una joven leyenda del jazz vocal, merced a sus históricas grabaciones en la compañía Decca, donde fue modelando las cualidades y la depurada técnica vocal que hicieron de ella una de las grandes diosas del scat y de la improvisación del siglo XX. A mediados de los años cincuenta, Ella afrontaba, pues, su espléndida madurez, cuando Norman Granz, dueño y fundador de Verve, le ofreció la oportunidad de fichar por la compañía que habría de consagrarla definitivamente. De repente, la carrera artística y comercial de Ella experimentó un salto cualitativo hacia adelante, apadrinada por el propio Granz, que la había descubierto diez años atrás, convirtiéndola en una de las habituales en los ciclos Jazz at the Philarmonic. Granz planeaba -y pronto acertó a materializar sus deseos- enfrentar a su protegida con las mejores orquestas y los mejores músicos de jazz de la época (Oscar Peterson, Duke Ellington, Louis Armstrong, Stan Getz...), pero antes...

La Billie Holiday de los años cincuenta, a pesar de la fama, no era, ni de lejos, la de los días felices. Su voz había perdido elasticidad, volumen y timbre. Pero mientras sus cualidades vocales desaparecían, crecía su magnetismo, que alcanzaba gigantescas proporciones en “Lady in satin”, el disco más controvertido de su carrera. Para algunos, es un trabajo sin el menor mérito artístico, y disfrutarlo es casi como regocijarse en la miseria de una mujer en declive. Para muchos, es una de las grabaciones más sobrecogedoras jamás oídas. En “Lady in satin” Billie Holiday quiso un nuevo sonido, de satén, que la ayudara a sacar lo mejor de su maltrecha voz. Fue decisión suya grabar un disco con cuerdas en lugar de una orquesta de jazz por primera vez en su carrera y ella misma eligió al hombre adecuado, un joven y casi desconocido arreglista llamado Ray Ellis. Quiso también que las canciones de “Lady in satin” fuesen todas novedades en su ya amplio repertorio, y eligió un puñado de versi...

Las reglas de una buena cinta de carretera son simples. Debe contener material variado, de diferentes artis­tas (se trata de combatir la monoto­nía del viaje). Segundo, es preferible que sean canciones conocidas, con estribillos para berrear en grupo (los viajes machacan cuerpo y mente; ambos se merecen un homenaje). Tercero, el impulso del coche requiere música rápida, sin llegar al frenesí que te haría perder el control del volante; si eres de los que tienen los nervios alterados y precisan adagios, new age o -ay, ay, ay- gaitas quejumbrosas, no sigas leyendo. A la vuelta de las vacaciones, nos cuentas cómo evolucionó tu estrés. CARA A 1. CANNED HEAT, On The Road Again (3'o9) Tiene algo de jaculatoria, de in­vocación para que los dioses te prote­jan. Ritmos circulares perfectos para trayectos largos pero pueden tener efectos estupefacientes. 2. STEPPENWOLF, Born To Be Wild (3'3o) Para sentirse como la pareja de Easy Rider al comienzo de su viaje. Ah, sí, Peter Fond...

Pocos discos abrieron tanto de miras el mundo del pop como "Sgt. Pepper´s lonely hearts club band". Experimental en lo ecléctico de sus canciones y también en la instrumentación, y en cierto modo conceptual en las historias que en él se relatan, este álbum significa  uno de los puntos más álgidos del talento de John Lennon y Paul McCartney y un punto y aparte en la trayectoria de The Beatles. Se editó  el 1 de junio de 1967 y pasó ciento cuarenta y ocho semanas en las listas de éxito británicas y ciento setenta y cinco en las norteamericanas; y en ambas llegó a la posición más alta. Es un disco difícil en muchos sentidos. Primero porque, tan solo un año antes, "Revolver" (1966) había situado el listón muy alto. Necesitaban un giro, un nuevo motivo. Lo que les sirvió de motivación fue al mismo tiempo una de las dificultades que tuvieron que afrontar: Paul había descubierto el "Pet Sounds" de The Beach Boys. Y las ganas de superar esa obra maestra que tanto ...

Puede decirse que todo el peso específico de la singladura de Frank Zappa (1940-1993) y The Nothers of Invention gravita alrededor de este disco, el tercero del grupo. Lo hace por un compromiso político, textos, estética, sentido del humor e investigación musical; por la actitud irónica de Zappa ante los elementos habituales de su temario - la era lisérgica, el capitalismo, los hippies, la familia, la clase media norteamericana- y por la permanente experimentación sonora que la banda, amparada en un buen contrato con un sello mayor, Verve (integrado en MGM), tenía el lujo de permitirse. The Mothers, nombre original del grupo antes de que los ejecutivos de MGM les obligaran a modificarlo por un menos taxativo The Mothers of Invention, habían registrado " Freak Out! " (1966) y " Absolutely Free " (1967). El ideario socio-musical de Zappa estaba bien delineado en esos dos primeros discos, pero para su tercer trabajo con el grupo (unos meses antes se había editado el LP...

Cuando menos es curioso mi desconocimiento practicamente total de la escena musical sanpedreña, siendo mis dos hermanos unos grandes melomanos. Probablemente toda su adoración musical sea similar a la mia por otros campos culturales. Aún así decidí ayudar, arrimar el hombro y echarle un cable, aunque sea al cuello, a un amigacho y colaborar en lo que pueda en este blog que me parece una iniciativa muy interesante. Centrandome un poco, lo que he hecho ha sido preguntar a mis hermanos y ellos me pondrán un poco al día. Así tenemos lecturas interesantes en : http://www.guitarristas.info/ , http://www.guitarrista.com/ , http://www.guitarristaonline.es/ . Por lo pronto creo que jamás habría averiguado la existencia de una página en MySpace dedicada a los grupos sanpedreños: http://www.myspace.com/rocksalviadivinorum y ya más adelante procuraremos expandir más el conocimiento de este universo, el musical.

Nunca se olvida una actuación de James Brown. Durante toda su vida, el escenario ha sido su espacio natural. Donde se expone, gime, agoniza, suda, baila, sonrie enseñando su dentadura perfecta y, sobre todo, manda. Manda sobre su banda, que siempre ha de estar presta a seguirle por donde él diga. Y manda sobre la audiencia, a la que hará siempre partícipe del estado de su humor pero en cualquier caso acabará llevando a su terreno con esas rutinas que ahora tan sólo se puede permitir amagar. Sus splits (ese temerario salto cayendo con las piernas abiertas y subida de rebote), sus giros sobre sí mismo, sus flirteos con el cable y el pie de micro y sus sufrientes caídas de rodillas han sido asumidas por cualquiera que se haya subido a un escenario desde entonces (Prince, Michael Jackson, los grupos masculinos de la Motown, Mick Jagger y de ahí la lista continúa para abajo), aunque nadie ha osado repetir el famoso número de la capa que le pone su eterno maestro de ceremonias "Fats...

Santana todavía es referencia obligada para el latino rock. He aquí los grupos de rock chicano que siguieron su estela, cada vez más saqueados por los sampleadores. Ha habido pocos grupos tan inflamables, tan incendiarios como los primeros Santana, los que nacieron hace más de treinta años. Venían del San Francisco hippyaunque se hacía evidente que no eran clientes de las boutiques y los artesanos del barrio de Haight Ashbury. Pana, cuero negro, jerséis a rayas, apelmazados afros, mostachos, patillas, perillas. Bohemia proletaria lindando con la delincuencia y cierto aire de speed freaks (consumidores de anfetaminas). Algo casi malévolo, una criatura feroz empezaba a tomar forma cuando ellos salían al escenario. Con aspecto famélico, obviamente ansiosos, dispuestos a empaparse, partían de la tradición sanfrascincana de las improvisaciones abiertas, con lenguaje de blues eléctrico y jazz macho sazonado con congas y timbales y otras percusiones antillanas. Lo curioso es que no había cari...

Jimi Hendrix dijo que la guitarra eléctrica es la reina del rock and roll. John Lennon aseguraba que nada hay en el mundo tan suave como el mástil de una Rickenbacker. Bo Diddley hizo el mejor rythm and blues con una vieja Gretsch. B. B. King siempre le ha sido fiel a una Gibson llamada Lucille. Y Brucé Springsteen canta orgulloso que su Fender ha aprendido a hablar. El rock necesita tanto a sus estrellas de carne y hueso como a las hechas de cuerdas y madera. Texto: Javier Pérez de Albéniz Fotografia: Francisco Ontañón detalle de una Rickenbacker 370 Gibson ES-125, de finales de los cincuenta detalle de una Gibson ES-175 D, de los años cincuenta. Pala y clavijero de una guitarra Fender Stratocaster Elite, de comienzo de la década de los ochenta. En el festival pop de Monterrey de 1967, Jimi Hendrix era un novato que compartía escenario con artistas de la categoría de Otis Redding o Janis Joplin. Al finalizar su ac­tuación, en pleno éxtasis, roció con gasolina su flamante Fende...

Ocurrió en Madrid. Una mañana de 1912 irrumpió en el taller del constructor de guitarras Manuel Ramírez un muchacho de aspecto extravagante. Era alto y flaco. Llevaba lentes gordas y re­dondas con monturas de concha, corbata que caía en cascadas, chaleco de terciope­lo negro cerrado hasta el cuello con boto­nes de plata, americana gris cruzada, pan­talones a rayas, zapatos de charol y, en la mano, un recio bastón para defender su fa­cha, según iba a reconocer él mismo mu­chos años más tarde. Al verlo, Ramírez no pudo contener la sonrisa. El muchacho del bastón fingió no darse cuenta y pidió algo que nunca na­die le había solicitado a Manuel Ramírez, ni osaron pedirle jamás al fundador de la dinastía, José Ramírez I (1858-1923), ni le encargarían después a José Ramírez ni a José Ramírez III, ni a José Ramírez IV, ni a Amalia Ramírez (1955). El muchacho quería que le alquilasen una guitarra para una tarde. Y sólo para un concierto, después la devolvería. Ramírez decidió seguirle la corri...